9 janvier 1971 6 09 /01 /janvier /1971 21:57

Castor et Pollux de Rameau à Lille :
une splendeur 

par Catherine Kintzler

En ligne le 20 octobre 2014

J'ai vu dimanche 19 octobre Castor et Pollux à l'opéra de Lille : une splendeur. Joué et chanté d'une manière juste et brillante sous la direction d'Emmanuelle Haïm, Rameau sonne magnifiquement dans cette salle aux dimensions idéales. Et même si on peut regretter que la danse soit, une fois de plus, escamotée, la mise en scène « décalée » de Barrie Kosky, vivement controversée depuis qu'elle fut présentée en 2011 à Londres, ne manque pas d'intérêt. 


C'est joué et chanté d'une manière remarquablement juste et brillante. Rameau est servi avec magnificence, puissance, à-propos, et ça sonne superbement. J'ai été éblouie en particulier par la présence physique et la force interprétative dégagées par Gaëlle Arquez - le personnage cornélien de Phébé, il faut aussi l'avouer, est plus porteur que celui, plus conventionnel, de Télaïre. Et puis Emmanuelle Haïm et l'ensemble Le Concert d'Astrée (sans oublier le chœur) montrent bien que cette musique a du muscle, avec une rigueur et un sens de la nuance extrêmes : un régal !


En tout cas, on est loin de la mièvrerie qu'on a parfois connue naguère. Le caractère très moderne de cette musique est parfaitement mis en valeur, sans pour autant qu'elle soit tirée vers le clinquant. Tout, dans la musique, est juste. Et bravo aussi pour la diction, généralement bien travaillée... et intelligible.


Du côté de la mise en scène, même si on sent parfois cruellement l'absence de la danse - hou là là, la Chaconne finale c'est long -, « ça passe » et c'est souvent très intelligent. Pour la violence et le sang, on est servi, mais n'est-on pas à Sparte, dans une civilisation qui exalte la brutalité ? L'idée de la boîte qui enferme et étouffe les personnages est heureuse ; la mise en scène du 1er acte, avec un rideau rigide à l'arrière-plan qui laisse voir le jeu de jambes parfaitement exploité, m'a séduite. Et j'ai trouvé injuste l'accusation (que j'ai lue çà et là sur le web) de misogynie : c'est un fait que cette 2e version de 1754 laisse les deux filles en piteux état, alors que dans la version de 1737 Télaïre avait elle aussi droit à « l'assomption » au ciel étoilé des immortels que la version de 1754 réserve au deux frères Castor et Pollux - apothéose ici traitée malicieusement en « téléportation ». Je crois que Barrie Kosky a été très sensible à cet élément, et on lui fait à mon avis un mauvais procès en lui reprochant de l'avoir souligné. Et puis l'infantilisme des garçons n'est pas épargné. La scène des plaisirs ordonnés par Jupiter pour retenir Pollux, oui elle est un peu osée... ? mais n'oublions pas le caractère effrayant et stupéfiant d'Hébé désse des plaisirs et de la recherche du choc sensuel - le truc des cheveux masquant la figure des deux interprètes féminines qui chantent malignement les plaisirs, j'avoue que c'est très ingénieux (et en plus on peut solliciter au besoin les interprètes des deux rôles féminins principaux dans les autres scènes sans que ça se voie - mais ça s'entend et heureusement...). B. Kosky a réussi à rendre inquiétante une scène que Rameau voulait peut-être légèrement ennuyeuse et soporifique : ceci est une critique, mais c'est en même temps un éloge !


Je dois dire que je n'ai pas été convaincue par un Mercure sanguinolent, estropié de deux de ses ailes, mais c'est un détail qui n'oblitère pas un ensemble bien pensé, y compris dans cette absence chorégraphique qui s'avoue comme telle par du vide tragique tandis que la musique égrène impitoyablement gavottes et rigaudons - preuve qu'une absence n'est pas nécessairement une forclusion et que ce que j'ai appelé naguère le « ballet paradoxal », dans lequel les personnages sont étouffés par une réjouissance imposée, peut aussi se signaler en creux. Mais je dis cela à mon aise, confortablement installée derrière mon clavier : j'aurais certainement un avis plus tranché si j'étais chargée d'une compagnie de danse ! 


En fait, je pense qu'on assiste ces derniers temps à une sorte de re-théâtralisation de cet opéra. J'avais déjà senti cela dans la mise en scène de Laura Scozzi pour Les Indes galantes en 2012. Ce type de « décalage » n'est pas un pur affichage, mais une pensée qui a médité l'œuvre sans trop se préoccuper de son environnement poétique. Dans le cas de ce Castor et Pollux, cela s'effectue certes aux dépens du divertissement et d'une frivolité prise au sérieux que je continue à considérer comme des éléments constitutifs. Mais un écueil autrement redoutable aurait été de ne voir que le divertissement et de tirer les choses vers le ridicule et la petitesse. Allez, OK pour la réinjection d'une forte dose de tragique tel qu'il peut être accessible à nos esprits chagrins et à nos sens submergés par la surdimension qui ordinairement nous accable, et même si comme Mercure on y laisse quelques plumes ! 


On peut discuter ces choix bien sûr, mais, pourvu que l'œuvre ne soit pas mutilée et déformée (comme ce fut le cas pour Dardanus à Paris en 1980, mis en scène par Lavelli), pourvu qu'une sur-mise en scène ne fasse pas obstacle à la musique, pourvu qu'il n'y ait pas de contradiction avec le texte du poème ou de total hors-sujet, il faut avant tout se poser la question : les spectateurs, à l'issue d'une telle représentation, ont-ils envie de la revoir, ont-ils envie de voir d'autres opéras de Rameau ? la réponse ne faisait aucun doute hier : c'est l'enthousiasme qui dominait les conversations à la sortie.


Castor et Pollux, tragédie lyrique en cinq actes de Jean-Philippe Rameau (1683-1764), seconde version, de 1754. Poème de Pierre-Joseph Bernard. Direction musicale Emmanuelle Haïm

Mise en scène Barrie Kosky

Chœur et orchestre Le Concert d’Astrée

Castor Pascal Charbonneau

Pollux Henk Neven

Télaïre Emmanuelle de Negri

Phébé Gaëlle Arquez

Jupiter Frédéric Caton

Mercure / Un Athlète (ténor) Erwin Aros

Le Grand Prêtre (basse) Geoffroy Buffière

voir le site de l'Opéra de Lille 

Télécharger la brochure L'Année Rameau 

Télécharger le dossier pédagogique consacré à Castor et Pollux 

 

© Catherine Kintzler, 2014

 

 



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15 novembre 1970 7 15 /11 /novembre /1970 14:57

Les Indes galantes : une re-dramatisation
Toulouse, Théâtre du Capitole, 4-15 mai 2012
par Catherine Kintzler

En ligne le 8 mai 2012


La nouvelle production des Indes galantes (opéra-ballet de Rameau et Fuzelier, 1735) au théâtre du Capitole de Toulouse sous la direction musicale de Christophe Rousset fait événement, à juste titre. En effet, la mise en scène de Laura Scozzi tourne le dos au divertissement dans l'esprit de l'opéra-ballet et offre, de manière « décoiffante », une lecture résolument décalée et actuelle de cet ouvrage.
Mais est-ce si décalé que cela ? Ne s'agit-il que d'une sur-mise en scène de plus ? d'une projection de parti-pris militants sur un ouvrage qui ne serait alors soutenu que par une excellente interprétation de la musique de Rameau - laquelle a toujours été un peu dérangeante ? C'est ce qu'on pourrait croire en voyant des danseurs complètement nus (est-ce si original ?), Bellone arriver sur un quad, Roxane étendre du linge ou Huascar métamorphosé en narcotrafiquant. Et pourtant...

Dans l'avertissement qui précède le poème des Indes galantes, l'auteur Louis Fuzelier annonce une nouveauté : il n'a pas, dans ce ballet, introduit de merveilleux - au sens où l'action merveilleuse suppose des agents surnaturels - comme c'était l'usage à la scène lyrique de l'époque. Commentant l'acte des Incas où surviennent deux éruptions volcaniques avec tout le tremblement, il explique avec insistance que ces phénomènes sont déclenchés par un des personnages : en faisant rouler un rocher « dans ces gouffres redoutables » le grand-prêtre Huascar manipule un peuple crédule qui pense subir la colère d'une divinité. Son action funeste, placée hypocritement « sous le manteau sacré de la religion », est entièrement naturelle. A cette naturalisation de l'action spectaculaire se joint donc une critique de la crédulité « dans le goût de ce siècle éclairé ». Mais ce n'est pas tout : les Indes, c'est-à-dire l'éloignement géographique (exotisme), tiennent ici lieu de monde merveilleux. Le recours à ce lieutenant est exposé par Fuzelier dans une argumentation qui reprend, mutatis mutandis, celle que Racine utilisa en 1676 dans la préface de Bajazet pour justifier une intrigue contemporaine du moment où la pièce fut créée.

Je ne jurerais pas que Laura Scozzi a médité la préface de Bajazet, mais elle a certainement lu avec attention l'avertissement de Fuzelier, qu'elle a pris au sérieux et pour ainsi dire à la lettre. Il en résulte une inversion des points forts de l'opéra-ballet, que Fuzelier ne pouvait certes pas avouer (à supposer même qu'il y ait pensé), mais que sa thèse emporte néanmoins : c'est le théâtre, le texte, qui, de prétexte introductif pour la danse, devient l'élément principal.

Re-théâtraliser un opéra-ballet au point de disparition de la danse : il fallait une certaine audace pour le faire, et parier sur la consistance d'un texte écrit en principe pour offrir un maximum de porosité à la musique et à la danse ! Pari tenu et en grande partie réussi. Ce parti-pris peut se soutenir sans s'exposer au contresens dans la mesure où il radicalise en quelque sorte les ambitions de l'auteur. On passe d'une naturalisation à une histori-politisation : encore plus loin que ne pouvait l'imaginer Fuzelier ! Mais pas tellement en dehors des clous, car cette démarche introduit une grande unité dans ce qui resterait autrement une pièce à sketches, unité scandée scéniquement par la présence malicieuse de trois Amours voyagistes, et fondée sur une féroce critique de l'oppression principalement religieuse, à grand renfort d'un féminisme parfois un peu appuyé. Il faut reconnaître que, contre toute attente, certains vers de Fuzelier, qui pouvaient sembler conventionnels, sont rafraîchis et trouvent force et vigueur. Par exemple, à l'issue du naufrage de la première entrée, ce ne sont plus seulement des matelots qui chantent « Que nous sert d'échapper à la fureur des mers / En évitant la mort nous tombons dans les fers » - mais aussi des femmes entchadorées (1).

Pour procéder à cette audacieuse redistribution des cartes, il y avait évidemment un prix fort à payer : c'est l'escamotage presque total de la danse, ce sont quelques incohérences théâtrales - notamment la simplification du personnage de Huascar et de la cérémonie du Soleil qui perdent leur ambivalence, c'est la décision d'un « faire comique » se retournant en pathétique qui est parfois trop chargée. On aurait compris sans cette insistance et en restant dans la légèreté que nous ont apprise naguère Laurent Pelly (avec lequel L. Scozzi a maintes fois travaillé) ou José Montalvo et Dominique Hervieu. Cette pesanteur accessoirisée à outrance est en fait le reproche que je ferai à Laura Scozzi : il me semble qu'on n'a pas le droit, s'agissant d'un opéra, de charger la barque au point de détourner parfois le spectateur d'écouter la musique. Il fallait toute l'autorité de la musique de Rameau glorieusement soutenue par le talent des interprètes pour y résister - et le triomphe de la musique est aussi une des raisons du succès mérité de cette production. Mais la symétrie prologue-épilogue (où la danse retrouve sa place comme élément d'un merveilleux hors-politique) est une belle invention et les transitions « Google Earth » assurant les traversées entre les Entrées (et mettant bien la musique en valeur) fournissent une cohérence de bon aloi. Et puis, le moyen de bouder son plaisir en voyant Bellone escortée de prêtres et de footballeurs, remarquables agents de l'opium du peuple ? Reste à voir si un tel dispositif subira sans dommage l'épreuve du temps ou s'il ne sera pas lui-même frappé par l'histoire.

Pour revenir à la musique en triomphe, j'ai eu l'occasion de dire à Christophe Rousset et à quelques-uns des interprètes que j'ai pu rencontrer l'immense plaisir que j'ai éprouvé. En réalité je n'ai pas le souvenir d'avoir entendu Rameau sonner aussi bien et surtout à sa juste puissance dans un théâtre. Il faut dire que le Capitole de Toulouse réunit, par ses dimensions, par sa qualité acoustique, par un je-ne-sais-quoi vibratoire soutenu par la ferveur de l'auditoire, toutes les conditions d'une telle réussite musicale ; encore fallait-il la réaliser. L'alchimie salle-interprétation fut, lors de cette première le 4 mai, à son maximum et à son optimum. Rien de mièvre, tout en éclat, flamboyant, inoubliable ; on est enchanté et troublé par la musique qui montre à la fois ses muscles et sa fragilité. Les choeurs en particulier sont superbes. Je n'oublie pas les chanteurs solistes, tous excellents, bons comédiens, se prêtant de fort bonne grâce aux exigences parfois éprouvantes de la mise en scène, et pratiquant, ce qui est rare, une diction irréprochable.

C'est jusqu'au 15 mai. Si vous pouvez, allez-y !

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© Catherine Kintzler, 2012

Christophe Rousset Direction musicale
Laura Scozzi Mise en scène et chorégraphie
Natacha Le Guen de Kerneizon Décors
Jean-Jacques Delmotte Costumes
Ludovic Bouaud Lumières
Stéphane Broc Vidéo

Prologue
Hélène Guilmette Hébé
Aimery Lefèvre Bellone
Julia Novikova Amour

Première entrée Le Turc généreux
Judith van Wanroij Émilie
Vittorio Prato Osman
Kenneth Tarver Valère

Deuxième entrée Les Incas du Pérou
Hélène Guilmette Phani
Cyril Auvity Carlos
Nathan Berg Huascar

Troisième entrée Les Fleurs
Kenneth Tarver Tacmas
Judith van Wanroij Atalide
Hélène Guilmette Fatime
Julia Novikova Roxane

Quatrième entrée Les Sauvages
Aimery Lefèvre Alvar
Julia Novikova Zima
Thomas Dolié Adario
Cyril Auvity Damon

Les Talens Lyriques
Chœur du Capitole direction Alfonso Caiani


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1 - Terme que j'emprune à Gisèle Halimi.

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